LA CONFRONTACION
ENTRE ARTE REALISTA Y ABSTRACTO, ES –HOY- ENTRE ESTETICA PROLETARIA Y ESTETICA BURGUESA
I
LAS ARTES REVOLUCIONARIAS BURGUESAS DEL
RENACIMIENTO
Es
un axioma que las artes son reflejo de la vida social. El Renacimiento en las
artes brotado en Florencia fruto de la compra del papado que la naciente burguesía
comercial y bancaria de los Médicis realizó colocando en Roma como Papa a
Baltazar Coza fue una coraza política e ideológica que generó un ambiente de impenetrabilidad de la política y la ideología
feudal de Roma y el Vaticano sobre Florencia, dominante para la época, que se
afirmaba en el <Arte Sacro> sustentado
por la concepción estética feudal europea de <San> Agustín y <Santo>
Tomás de Aquino recreada en la Liturgia de la Iglesia Católica, en su arquetipo
individualista celestial que gira en torno del <Dios Único> y la <Santísima
Trinidad> en sus mitos, ritos íconos, imaginarios, símbolos, de entre los
cuales descuellan el “Vía Crucis” de
Jesús, “El Cristo”, y sus innumerables “santos” y “vírgenes”.
Esa
cúpula sirvió de halo protector a Florencia para que la ideología burguesa,
revolucionaria para esos tiempos, diera impulso al arte Renacentista que recuperó
de Grecia el ideal artístico de la belleza clásica que lo revolucionó colocando
al centro la armonía y proporcionalidad, la materialidad y belleza del ser
humano y la naturaleza. Incluso la pintura y escultura que recogía imaginarios
del <Reino Celestial> -circunstancia
ineludible para los artistas de la época- estaban impresas con las
características del hombre y la mujer, reales en sus partes anatómicas: Cuando
el Papa, al mirar los frescos de la Capilla Sixtina, le reclamó a Miguel Ángel
porque pintaba al <creador>
desnudo -con una auténtica
proporcionalidad humana, realista- el genial artista respondió: <porque solo puedo imaginarme a dios desnudo>; en el transcurrir de los
siglos el Vaticano ha llevado a cabo el ocultamiento de las partes pudendas de
las pinturas y esculturas renacentistas -los testes principalmente-, alegando
que “atentan contra la moral”, concepto de “la
moral” ligado a la “mortificación de la carne”, al celibato y otras taras
elevadas a nivel de dogmas detrás de cuyo ascetismo se oculta la hipocresía que
ha generado vicios como la pedofilia dentro de la cúpula de la Iglesia Católica
extendida a sus Órdenes religiosas.
Al
mirar con detenimiento las manos, antebrazos, rostros, cuerpos de las
creaciones artísticas de las pinturas y esculturas del Renacimiento,
aprehendemos de éstas que reflejan un ceñimiento a la realidad objetiva del ser
humano basado en la proporcionalidad de los cuerpos, fruto del estudio pormenorizado
y científico de éstos como lo hicieron Da Vinci y los artistas renacentistas. Otro
aspecto nptable del Renacimiento es que en oposición al “dios único” y la
“Santísima Trinidad” se recupera de la mitología griega -que fue también una
característica de la Roma Imperial- las deidades o divinidades del Olimpo como
la diosa Venus.
Todo
pintor y artista sabe que pintar y esculpir los dedos de las manos y los pies,
los antebrazos, el cuello, los detalles del rostro, las pantorrillas y muslos,
los glúteos y el estómago, etcétera, requiere de un trabajo de construcción
artística reflexiva, profunda, científica; el realismo en las artes está ligado
estrechamente al conocimiento de la dialéctica de la naturaleza, de las leyes estéticas
de la proporcionalidad, la armonía, los contrastes, los colores primarios y sus
variadas combinaciones y múltiples matices. Eso es lo que se rescata de la obra
extraordinaria de los artistas florentinos que construyeron un arte que como
señaló Engels <no se volvió a repetir>.
Estas
artes ligadas a una época caracterizada por los descubrimientos científicos fueron
el batintín precursor de la revolución industrial que preñaba en las entrañas
del mundo feudal en descomposición incluidas su Religión Católica y sus Artes;
descubrimientos y artes revolucionarias y realistas opuestas a los cánones
estéticos <celestiales> cuya “herejía” persiguió la Inquisición feudal hasta
el final de este período de auge del arte y las ciencias connotado como <Renacimiento>, en Florencia, al condenar
a Galileo Galilei a la indigencia al final de su productiva vida científica por
haber probado que el centro del sistema solar era el sol y no la tierra como
sostenían las <Sagradas Escrituras>,
tesis científica calificada de <herejía>
por la Inquisición.
A
pesar de ello y mientras duró ese período floreciente de las ciencias y artes
en Florencia durante los siglos XV y XVI las artes del <Cinquencento> rompieron con la corriente estético-artística
ascético-feudal dominante en Italia que se extendía a Europa.
El
arte Renacentista creado bajo los auspicios del Poder de los Banqueros Médicis generó
una pléyade de artistas del realismo clásico de la talla de Da Vinci, Miguel
Ángel, Boticelly, Donatello, Rafael, Durero, Brunellesqui -quien era artista y arquitecto-,
quienes contribuyeron a apuntalar el Poder de Los Médicis bajo cuyos resplandores
artísticos se cobijó la pujante burguesía florentina.
Expresiones
de este arte renovador, que mantiene su fortaleza a través de los tiempos,
fueron <Las Venus> de Boticelly,
Los <David> de Donatello y Miguel
Ángel; los frescos de este mismo artista pintados en la Capilla Sixtina; la
<Ultima Cena> y la <Mona Lisa> de Da Vinci, etcétera, a
través de las cuales se recupera el vigor, la simetría del cuerpo humano, la armonía de la vida envuelta
en las contradicciones naturales y sociales fruto de la dialéctica de la
naturaleza como parte del universo en perpetuo cambio.
El
desnudo artístico mostró en forma realista las proporciones del cuerpo humano
ya anticipadas por el arquitecto romano Vitrubio que fueran plasmadas en la
composición artística “El hombre de
Vitrubio” por Da Vinci.
Arte
que estableció una relación con las ciencias que abrían sus espectros durante
esos siglos de descubrimientos científicos que fue también una época
revolucionaria de la historia; arte esencialmente realista aunque influenciado por
la concepción filosófica idealista de <la
creación>.
LA FILOSOFIA MECANICISTA Y LA ESTETICA REALISTA
BURGUESAS
Durante
aquel período cabezas de pensadores como Diderot y otros <Enciclopedistas>
contribuyeron a que se diera un salto en el desarrollo de la filosofía
materialista en mecanicista y de la estética realista, opuestas a la filosofía
y estética idealistas feudales.
LAS ARTES CRÍTICAS DEL FEUDALISMO Y LAS
FLORECIENTES ARTES BURGUESAS
En
este mundo feudal en decadencia y descomposición afloraron artes y literaturas
críticas que muestran por dentro el mundo de los Reyes en deterioro: Las obras
de teatro de Shakespeare: “Hamlet”,
“Becket”, “El Rey Lear”, “Otelo”, “Romeo y Julieta”; la ofensiva política del
cura Rabelais contra los vicios de los reyes a través de sus personajes
satíricos: <Gargantúa y
Pantagruel>; <El Decameron> de Bocaccio que muestra la inmoralidad de
la Iglesia feudal en Italia; el
levantamiento popular contra la tiranía reflejado
en <Fuente Ovejuna> de Lope de
Vega, etcétera, artísticamente reflejan la crítica acerva a los antivalores de la corrupción, la
inmoralidad, el crimen, cuya pus muestra la descomposición feudal.
La
novela de Víctor Hugo, <Los
Miserables> es otra expresión del derrumbamiento del feudalismo y la
alborada del sistema burgués. El conjunto de obras literarias y artísticas como
la <Novena Sinfonía> de
Beethoven, las obras de Chopin y Listz reflejan el advenimiento del capitalismo
como sistema.
LA COMUNA DE PARIS Y LAS ARTES REALISTAS
POPULARES QUE EN ESAS CIRCUNSTANCIAS HISTORICO-POLITICAS SE CREARON
Con
el advenimiento del capitalismo surgió la contradicción histórica entre la
burguesía y el proletariado en cuyas circunstancias brotó la teoría científica
del marxismo.
Mientras
se acumulaban batallas de la clase revolucionaria -el proletariado- que se
concentraron en Francia, ya las cabezas de Marx y Engels habían generado la
ideología que ponía al descubierto científicamente que se avecinaba una nueva
revolución: La proletaria.
Así
como la ciencia del marxismo en medio de una lucha incesante y acoso de la
burguesía, resistía, se abría paso y lanzaba a la ofensiva en cuyo escenario
las luchas del proletariado alcanzaron en los preparativos y la realización de
la Comuna de París en 1871 su gran
eclosión temporalmente derrotada: Su “Asalto
del Cielo”, metáfora con la cual Marx pinceló teórica y políticamente esa formidable
experiencia, también las artes como reflejo de estas circunstancias económicas,
sociales, políticas, militares, tuvieron en la poética de Eugenio Pottyer, en
la pintura de Courbet, Millet, Daumier, Delacroix, Van Gogh, una presencia
significativa que mostró el mundo de los de abajo, que pinceló con maestría, en
arreglo a las leyes de la aprehensión estética de la realidad, en diversas
expresiones especialmente pictóricas realistas, la vida de los trabajadores y
los pueblos; e incluso, dejando atrás la hipocresía burguesa, mostraron un erotismo
realista que mostró la fuerza, la belleza y proporcionalidad estética latente
en la vida de los pueblos.
Más,
con la derrota de la Comuna vino la persecución y estigmatización del arte
realista que se pintó en <Los
picapedreros> y <Entierro en
Omans>, <El Origen del mundo> de Courbet; “Las Espigadoras” de Jean Francois Millet; “Vagón de Tercera Clase” y “El
levantamiento”, de Honoré Daumier, etcétera.
LA CONSOLIDACION DEL CAPITALISMO
La
revolución burguesa -en cuyo escenario
Lutero creó en Alemania la Iglesia Protestante burguesa - estuvo
caracterizada por las restauraciones monárquicas hasta que la dominación del
capital se afirmó en todos los terrenos durante
las primeras décadas del siglo XIX.
Todo
lo que antes remeció al mundo fue cambiando de carácter y las artes como su
reflejo. La dominación burguesa trajo consigo una sociedad basada en la
explotación del proletariado por la burguesía.
LAS ARTES DURANTE LA CONSOLIDACION DEL
CAPITALISMO
Durante
este período de consolidación de la clase burguesa surgieron la literatura y
las artes críticas que mostraron a
través de las obras literarias de Balzac, de Maupassant, de Tolstoi, de Chejov,
la naturaleza opresora, hipócrita, inmoral de la burguesía; el pintor Manet
rechazando la manipulación del arte clásico que se manifestaba en “Los Salones” sacó a flote la podredumbre
de la burguesía en cuadros que provocaron escándalo en la sociedad burguesa.
EL IMPRESIONISMO: PRIMERA MANIFESTACION DE LAS
ARTES QUE EVADIERON LA REALIDAD CULTURAL DE CLASES Y LA LUCHA DE CLASES
Tras
la persecución al arte realista proletario y popular forjado en los ambientes sociales
de La Comuna, en el terreno de las artes
va desarrollándose un arte propiamente burgués ligado a Las Galerías y al mercantilismo de las artes que se caracteriza
por la alienación de la realidad profunda de la sociedad burguesa cuyo reflejo
va configurando las características del llamado <Arte Contemporáneo> o <Arte
Burgués>.
Tras la represión a la pintura realista
las artes y los artistas van adaptándose a la política y economía de la
burguesía en el Poder buscando su aval para obtener fama, posición, recursos.
Este período es representado inicialmente por los pintores <Impresionistas> en cuyos cuadros se
va diluyendo la realidad de clases de la
vida en el capitalismo.
VAN
GHOG: UN ARTISTA QUE REFLEJA EL CAMBIO ARTISTICO DEL
REALISMO AL IMPRESIONISMO
Muestra
de este período artístico de transición de la pintura realista a impresionista es el del genial pintorVan Ghog: Inicialmente realista pinta la
vida de los pobres: <Mujeres cargando
sacos de carbón>, <Muchacho cortando hierba con una hoz>, <Despacho de lotería>, <tejedor
frente a ventana abierta>, <labrador con mujer sembrando patatas>,
<Los comedores de patatas>, <Aldeanos comiendo> que responden a
la influencia de los pintores de <La
Comuna> cuyo realismo entra en reflujo tras la derrota del primer ensayo
de la revolución proletaria.
Tras
el período de influencia de la pintura realista y popular de Courbet, Daumier y
especialmente de Millet sobre la obra pictórica de Van Ghog éste pasa a ser
influenciado por los “Impresionistas” (Degas,
Monet, Renoir y el arte japonés) pero se diferencia de aquellos en sus
cuadros por el manejo de colores, explosivo, destellante. La obra pictórica de
los <impresionistas> ligados a
las Galerías y al arte mercancía –Theo
hermano de Vincent Van Ghog fue promotor de Galería- se diluyen en la
realidad de los paisajes y en la vida bucólica de la clase media.
La
burguesía rescata <La genialidad de
Van Ghog> no por sus cuadros realistas donde muestra escenas de la vida
de los pobres sino por aquellos donde la realidad de la vida en el capitalismo
se diluye en los paisajes, en la captación de la realidad de la naturaleza y de
la vida de la clase media exenta de las contradicciones sociales que genera el
capitalismo; imágenes cargadas de su fuego creador iconoclasta.
Con
los impresionistas se inicia el
escapismo del arte de la realidad clasista de la sociedad burguesa y se abre
paso al abstraccionismo, al arte burgués que evade la realidad del capitalismo
y la oculta.
EL ARTE ABSTRACTO: UN PRODUCTO DEL MERCANTILISMO:
ARTE-MERCANCIA
QUE ALIENA A LAS MASAS
En
ese escenario se forma una mescolanza <artística>:
<Los postimpresionistas> donde estaban: Manet, -quien no fue
impresionista-, Cezanne que era impresionista, Van Ghog, quien fue realista y
luego impresionista; Gauguin y otros que transitaron por la pintura identificándose
con el naturalismo exento de las contradicciones sociales que genera el
capitalismo; todos ellos auspiciados por <Las Galerías>. Los <postimpresionistas>
fueron antecesores del <cubismo>.
El arte cubista abstraccionista se da a conocer como <Las Vanguardias> y es exaltado a
través de pinturas como: <Las Señoritas de Avignon> y <Naturaleza Muerta> de Pablo Picasso;
Se
pintan numerosas obras abstractas. El abstraccionismo es hijo natural del capitalismo
en su período inicial: El <cubismo>
esconde “artísticamente” las contradicciones de clase entre la burguesía y el
proletariado
Surge
otra expresión artística abstracta: El <surrealismo>
de André Bretón que acude a la introspección psíquica, al mundo interior, a
los sueños.
El
<surrealismo> como tendencia
<artística> abstracta evasiva de la realidad social es definido así por
Bretón: <el inconsciente es la región
del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un
todo con ella>.
Bretón
relaciona abiertamente al <surrealismo>
con Sigmund Freud, con el subconsciente.
Se
imbrica con el cubismo de Picasso y se relaciona con el <dadaísmo> de Tristán Tzara en arte y literatura.
Los
años precedentes a la Primera Guerra Mundial incuban algunas expresiones del
llamado <arte> abstracto opuesto
al arte realista.
La crisis del sistema capitalista que conduce
a la primera conflagración mundial imperialista se refleja en el terreno de las
artes y literaturas abstractas burguesas que venían configurándose tras la
derrota de La Comuna de París: el
impresionismo, el postimpresionismo, el cubismo, el surrealismo; todos
estos <itsmos> abstractos paridos
en el entorno social del aislamiento, de la evasión y el escapismo de las artes
y las literaturas de los profundos problemas económicos que generan los
conflictos sociales producto de la estructura explotadora capitalista, se
relacionan con las Galerías y los <Marchantes>
haciendo del arte una mercancía más del capitalismo. En esos ambientes van
surgiendo otras expresiones del <arte
abstracto>: El futurismo y el dadaísmo.
Todas estas expresiones del arte abstracto toman
partido en favor o en contra de la primera guerra imperialista. En el campo del
arte, entre los artistas que se colocan a favor de la guerra imperialista
destacan los <futuristas> de
Marinetti: <prended fuego a las
bibliotecas> <…destruir sin piedad las ciudades veneradas>, posición
política que promueve un anti-arte ultra reaccionario que
desnaturaliza el ideal de la belleza estética y aplaude el horror que genera la
guerra imperialista que destruye naciones, mutila y asesina pueblos.
De otro lado <El Dadaismo> humanista burgués, anárquico, no logra abordar
artísticamente los orígenes de la guerra mundial: Tristán Tzara, Jean Arp y
otros artistas y escritores dadaístas se
establecen en el <Cabaret Voltaire de
Suiza escapando de la guerra; producen un <arte y una literatura> iconoclastas, anti belicistas pero
anárquicas y abstractas. Por su tendencia abstraccionista estuvo incapacitado
para crear obras de arte que mostrasen el carácter imperialista de aquella primera
conflagración mundial.
En
oposición a esta guerra imperialista también se ubicarán los abstraccionistas cubistas: Picasso, Brake, Delaunay.
Entre los surrealistas se adoptarán dos posiciones: Unos en favor y otros en
contra de aquella primera Gran Guerra.
En el ruso Kamdimsky
-quien se opone a la guerra y posteriormente viaja y se establece en la Unión
Soviética socialista, hasta que por sus concepciones burguesas abstractas es
expulsado de allí- encontramos
otro emblemático representante del arte abstracto.
En
Kandimsky éste <arte> encuentra
una expresión más estereotipada, sistemática y “creativa” desde la óptica del abstraccionismo al punto que se lo
considera un “maestro” de esta tendencia.
Marcel Duchamp es otro “artista” propulsor del arte abstracto inicialmente
relacionado con el cubismo y el dadaísmo.
Desprendido de estas tendencias <artísticas>
abstractas nos brinda una visión de la progresiva evasión del arte burgués de
la realidad y en particular de la realidad social, económica, política del
mundo capitalista.
Enrostrado
en estas corrientes, sin ser un adherente completo a ninguna de ellas, es uno
de los personajes del arte abstracto burgués que mejor evidencia las
características y la alienante naturaleza del abstraccionismo, del anti-arte, al punto que la intelectualidad
burguesa lo erige como <teórico> y
<genio> del <arte abstracto>. La obra pictórica de Duchamp
refleja inicialmente elementos realistas que giran en su entorno cercano –como
la figura de su mujer y otras-, progresivamente se inclina hacia el
abstraccionismo con obras como: “Joven
mujer y hombre en primavera” y “Dulcinea”,
y posteriormente desarrolla una pintura abstracta y caótica hasta llegar a sus
destacados –por el arte burgués- “Ready
Mades” donde “El Orinal” resulta una de sus obras más destacadas y trascendentes
(¿!).
Duchamp
emigra a los Estados Unidos durante la Primera Guerra Mundial, país
imperialista donde las artes abstractas ligadas al mercado no habían adquirido,
aún, la intensidad que en Europa, y trasplanta la pintura abstracta a
Norteamérica con: <El Gran
Cristal>, <Madera y Metal>, <Botellero>, <Fuente>, <Los
novios desnudando a la novia; Duchamp pone bigotes al cuadro “La Gioconda” de Da Vinci e incluso
“eleva” a la calidad de obra de arte a un comic que representa la súper
dominación norteamericana sobre los pueblos y la supremacía del individualismo
y las transnacionales: Superman, presentando esto como “arte”.
Marcel
Duchamp elabora una “teoría” del arte abstracto que muestra la decadencia de la
estética burguesa y del arte burgués así como la degeneración de la estética y
el arte burgueses frente a la estética y al arte realistas en general y del
proletariado: El llamado <arte objeto>
que es una renuncia a la creación artística, una refutación grosera y alienante
del realismo y del proceso de asimilación estética de la realidad que son
desechados y sobrepuestos; pseudo <arte>
que la estética marxista-leninista denomina: <cosificación del arte>: Un <objeto> es sacado de su cotidianidad: Un orinal es expuesto por
Duchamp como <obra de arte>
bajo el criterio supuestamente <artístico>
de que al sacar éste u otro objeto: una lata de cola, una pieza de fábrica, un
zapato, etcétera, de su cotidianidad, estas cosas adquieren connotación o
categoría de <obra de arte>
debido al papel que juega la <imaginación>,
la <función mental creadora>
del artista y del público.
Según
Duchamp -en el ejemplo anterior- al sacar al orinal de su función cotidiana
provoca una reacción estética del artista y del público convirtiendo al orinal
común en una <obra de arte>. A
esta cosificación del arte la llamó <readymade>.
Lo
real es que el orinal no es una obra de arte sino una cosa: Una mercancía
construida en serie para el mercado capitalista, que, al ser sacada de su
contexto cotidiano, Duchamp la erige, sin ningún trabajo de construcción
artística que aplique las leyes científicas de la estética, en <arte>.
Este
es uno de los grados extremos que muestra la degeneración del arte burgués por
el cual se eleva al “artista” Duchamp
a la connotación de “teórico” del
arte abstracto.
El
llamado <arte objeto> es, primero, una visión filosófica idealista que
establece como fundamento de la creación artística la relación entre el artista (sujeto) y el objeto.
Esto
significa que la <actividad
creadora> deja de lado la realidad como fuente del arte, pues, según
esta <teoría> solo puede existir <arte>
cuando se establece una relación entre el artista y la realidad.
Fuera del ojo, de la sensibilidad y capacidad
cerebral del artista, no existe arte según
el abstraccionista Duchamp. Eso
significa negar la existencia de la realidad como fuente natural del arte. El origen, la cantera del arte, es la
realidad. Lo primero y fundamental en el proceso de la existencia del arte es
el reconocimiento de la existencia del universo, de la naturaleza, de la
sociedad, como fuentes del arte.
El arte-objeto constituye una negación de la
existencia del mundo, de la realidad en su complejo y perpetuo movimiento.
En
segundo lugar, el <arte-objeto>
es una expresión decadente que da la espalda, que reniega y pretende opacar
tanto al arte clásico y al arte realista, así como al arte realista proletario;
el llamado <arte objeto> simplifica
y vulgariza el proceso de la creación artística dejando de lado la ley de
asimilación estética de la realidad y de ésta como fuente de la creación
artística y literaria.
Las
diversas obras de Duchamp: <El
orinal>, <El Gran Vidrio> o <Novia puesta al desnudo por sus
solteros>, pintura abstracta y supuestamente erótica donde nueve
“novios” se masturban ante la imagen de una novia “desnuda” es muestra patética
de la degeneración mental de este supuesto “teórico” del arte abstracto, de la
cosificación del arte y representante del anti-arte a quien la intelectualidad
artística burguesa e imperialista ha elevado a la calidad de “genio” cuando en él se expresa la
decadencia y degradación del arte, del ideal de la belleza y se abre paso la
esteticidad de <lo feo> con la
cual la estética burguesa y revisionista, sobre todo en estos tiempos de
hegemonía del arte burgués imperialista y de sus corrientes asalariadas de toda
índole, apuntan a sepultar al arte realista y al arte realista proletario y
popular.
El
“arte objeto” es un antecedente del “kitsch
art”, del <pop art>, del body
art, que deforman, afean el arte, promueven el no- arte y atentan contra el ideal estético de la belleza y del
arte. Lo cosifican. A través de este no-arte atraen la mirada del público
hacia la evasión de la realidad.
LAS ARTES ABSTRACTAS DURANTE LA PRIMERA
Y SEGUNDA GUERRA MUNDIALES
Estos
movimientos artísticos abstractos que se originan antes y durante la Primera
Guerra Mundial se prolongarán durante las décadas posteriores en que tras
acumularse las causas de la crisis del capitalismo y el imperialismo se produce
la Segunda Guerra Mundial.
Durante
este periplo histórico y particularmente durante esta Segunda Conflagración Mundial
el cubismo, el surrealismo, él dadaismo
y otros ismos del arte abstracto subsisten como tendencias evasivas de la
realidad pero adoptan posiciones políticas respecto a uno u otro bloque
imperialista: Los dadaístas de
Tristán Tzara y los cubistas como
Picasso se oponen al fascismo: La famosa pintura abstracta <Guernica> de Picasso denuncia el
bombardeo nazi sobre este poblado.
Salvador Dalí uno de los emblemáticos
propulsores del surrealismo toma
posición junto al fascismo.
Durante la Segunda Guerra Mundial desde
el cubismo, el dadaísmo y el surrealismo
se producen expresiones abstractas artísticas antifascistas que contribuyen a
la lucha que se libra contra Hitler y Mussolini principalmente.
Estas tres expresiones <artísticas> abstractas se ubican a
favor o en contra de una u otra facción imperialista.
Más, cómo de esta posición antifascista
devienen posiciones opuestas al arte realista proletario, se observa en el
viaje del surrealista y dadaista Bretón a los Estados Unidos durante la Segunda
Guerra Mundial, quien, junto a otros surrealistas influye para que se forme la
corriente <expresionista abstracta>
propiciada por el imperialismo norteamericano y la CIA luego de aquella Segunda
Guerra Mundial desde cuyo anti-arte se ataca al realismo socialista y se oculta
abiertamente la realidad de clases dentro del mundo capitalista imperialista y
dentro de los Estados Unidos donde a la vez se desata la conocida cacería de
brujas contra el arte realista democrático conocida como el <macartismo>.
El pintor surrealista Dalí quien alcanzó fama
mundial propiciada por el imperialismo y se alineó con el fascismo desarrolla
una pintura alienante, escapista de la realidad, promotora de imágenes del
subconsciente psíquico, que contribuye a atacar al arte realista y a la ley de
aprehensión estética de la realidad.
LA COSIFICACION DEL ARTE ABSTRACTO ES ANTI-ARTE IMPERIALISTA:
VUELVE MERCANCIA MASIFICADA Y EN SERIE AL <ARTE> ENGROSA LA PROMOCION DE
LA PRODUCCION MASIFICADA DE MERCANCIAS A TRAVES DE LAS <INDUSTRIAS
CULTURALES>
I
EL <KITSCH ART>
Lo
<kitsch> viene de fines del siglo XIX y se prolonga luego de la Segunda
Guerra hasta nuestros días. Si hay una definición que permite abordar lo
<kitsch> o kitsch art> es quizás la de Calinescu <Lo kitsch es imitación, falsificación,
copia, todo aquello que llamamos estética de la decepción y el autoengaño;
kitsch es una forma específicamente estética de mentir>.
Esta
precisión entre la relación del “arte” y el consumismo como la forma pequeño
burguesa de acceder al arte adquiriendo “algo
artístico” tiene relación con la actitud arribista, de ascenso de la clase
media hacia ambientes burgueses, una de cuyas características es el uso del
dinero como imitación del modo de vida feudal-burgués uno de cuyos elementos es
el exhibicionismo del arte como “cualidad” de “superioridad” frente a la
“ignorancia” de “la plebe”. Así, franjas
de esta clase media que asciende, por sus ingresos, a la clase burguesa, al
imitar ciertas cualidades de la burguesía, entre ellas, la de ser proclive al
arte, lo hace, pero como decoración, como artificio.
Recuperemos
una ilustración de esta tendencia que recoge “Wikipedia”: <En el área de Los Ángeles, California, la
burguesía enriquecida con el auge de Hollywood intentó trasplantar elementos
del arte europeo mezclando artificiosamente el gótico, el barroco y el rústico
para mostrarse artificiosamente como <culta> y cayó en el ridículo
llegando al extremo de comprar antiguos castillos europeos y trasladarlos
piedra por piedra a los Estados Unidos>.
Lo
<kitsch> también es una desviación del arte que busca a través de
chucherías y falsificaciones, de remedos artísticos mostrar a una clase media
con arpegios de <culta>. Se dice que Warhol fue el principal motivador
del <arte kitsch> o <kitsch art> asociado directamente a lo que la
burguesía denomina <la Modernidad>
y está directamente asociado con lo banal, lo superfluo, con los retoques de
algo común que, por estridente o lleno de colorido, por estrambótico, se lo
adquiere como <arte> y que liga lo <kitsch> con el consumo, con el
mercado barato que permite mostrar la actitud del comprador hacia <lo
artístico> sin conocer el real significado de arte.
EL BODY ART
Pintar
los cuerpos particularmente de mujeres desnudas o semidesnudas ha pretendido
presentarse como <defensa de la
naturaleza y la biodiversidad> por parte de algunas franjas de la
intelectualidad artística respaldadas por algunos medios de comunicación de la
burguesía.
En
realidad, el <bodi art> es otra
deformación del arte pictórico que utiliza el desnudo y el semidesnudo
particularmente de la mujer –también del hombre- para imprimirle otra variante
al llamado <arte abstracto> y al <simbolismo erótico> como una
supuesta <libertad sexual> de la mujer y el hombre para dar otra forma al
abstraccionismo o al <simbolismo abstracto> tras el cual simplemente se
da curso a la exhibición de la mujer -y del hombre- como mercancías eróticas;
el <bodi art> circula en infinidad de revistas relacionadas con la
exhibición de la mujer como un estímulo erótico para la venta de mercancías,
para el fomento del turismo y la gastronomía burguesa; para la venta de
vehículos, relojes, ropa de marca, etcétera; el <bodi art> es la más grosera muestra del rebajamiento del papel
de la mujer como ente intelectual, profesional, como ser humano, al
exhibicionismo consumista y mercantilista.
EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO
Respecto
de esta tendencia abstracta del <arte> hemos hablado como un importante
punto de referencia que relaciona al arte con la política imperialista. Llamado
también “Action Painting”, su ícono
más promocionado y pagado por la CIA en “Las Galerías” es Jackson Pollock.
1-
Surge luego de la
Segunda Guerra Mundial propiciado por los Estados Unidos como la principal
potencia imperialista de la <post guerra>;
2-
Establece una clara
confrontación dentro del campo antifascista con Francia, que, a través del
<cubismo> particularmente de Picasso y su obra <Guernica> se
presentaba como el <Centro del Arte Mundial>, pues traslada de París a
Nueva York el <arte> presentando al imperialismo norteamericano, también,
como <Centro del Arte Mundial>
3-
Erige al arte
abstracto como sinónimo de <arte libre> en oposición al que lo que Truman
y Eisenhower calificaron de manera ultra reaccionaria como: <Arte impuesto
por el Estado y el Partido, carente de libertad> refiriéndose al realismo
socialista en la URSS y desarrollando una intensa y millonaria campaña contra
el arte <realista socialista> proletario y popular.
4-
Truman y
Eisenhower, Presidentes de los EE.UU. e ignorantes de arte proclaman al
<expresionismo abstracto> de Pollock, Dobliev, De Kooning, como lo más avanzado del arte mundial; el
<expresionismo abstracto> es el <arte> que mejor oculta el opulento
enriquecimiento del capital financiero a costa de la explotación del
proletariado de los Estados Unidos y del proletariado y los pueblos de los países
dependientes; al emborronar con sus pincelazos el mundo de Wall Street y hacer
apología del mundo de los enormes rascacielos; de la arquitectura de las
llamadas <Catedrales de Luz> del opíparo mundo imperialista.
EL <ARTE POP> O <POP ART>
Hay
diversidad de opiniones respecto del origen del <pop- art> en cuanto a la fecha e incluso de los más
connotados representantes de esta corriente del <Arte Moderno> o <Arte Contemporáneo>. Lo que cabe resaltar
son dos aspectos:
1-
¿Bajo qué
circunstancias tuvo el pop art la
eclosión que tuvo?
2-
¿Quién o quienes
elevaron al <pop-art> al nivel
que alcanzó?
Para
esta última no tiene cabida más que un nombre aunque existen otros que giran en
torno del <pop-art>: Andy
Warhol.
En
cuanto a las causas de la eclosión de esta corriente del <pop-art>: Este gira en torno de la producción mercantil
masificada y en serie a escala mundial una de cuyas muestras es la botella o la
lata de Coca-Cola y la concepción de
la belleza imperialista promovida a través del cine y la propaganda: La imagen
de Marilyn Monroe; o la de <las latas
de sopa “Campbell”> -que también fue una producción masificada y en
serie de comida enlatada norteamericana-.
Andy
Warhol colocó en el plano artístico la figura de Marilyn Monroe multiplicada y
la presentó como <arte>; lo mismo hizo con la botella enlatada de “Coca
Cola”, con las latas de comida “Campbell”
explicando que <le recordaban a su madre quien se las servía> y así por
el estilo; Warhol se convirtió en figura
emblemática de la producción de mercancías en serie, masificadas, particularmente de la industria monopólica de
los Estados Unidos; en él se expresa de manera contundente no solo como el arte burgués –o
el anti-arte- se enlaza con la promoción publicitaria de las mercancías que
es la característica de las <Industrias Culturales> sino cómo convierte a
la mercancía producida en serie, masificada para la venta a nivel mundial, como
<arte> que es el caso de la <Coca Cola> pero también de Marilyn
Monroe cuyo estereotipo de la <belleza> es exportado a escala
internacional por las Industrias del Espectáculo de entretenimiento erótico.
De
tal manera se desnaturalizó la esencia del arte como fruto del estudio y aprehensión
estética de la realidad que se lo cosificó invadiendo la conciencia de las
masas con este anti arte que incluso se exhibe en las Galerías y ha contribuido
para que el arte escapista, alienante de la realidad, se convierte en una
corriente multiforme utilizando las <instalaciones> y otros medios que
crean espectacularidad y atraen la atención; anti arte opuesto al arte realista
y sobre todo al arte proletario y popular.
Warhol
en otra manifestación de un <arte> subordinado
al mercado y al espectáculo que se imbrica con el mercado y el consumismo de
automóviles de marca llegó a cobrar por decorar aerodinámicamente las partes
exteriores de un auto de carreras deportivas de alta competitividad en las competencias
internacionales altas sumas de dólares: A la decoración de un coche BMW M1 de carreras se le dio el
calificativo <artístico> de: <el
proyecto BMW Art Car>.
Warhol
murió multimillonario al obtener ganancias de una serie de <producciones artísticas> --también produjo cine abstracto- que
alaba la producción en serie de la gran industria norteamericana, por eso
Warhol es la representación más nociva del arte al servicio abierto de la
industria monopolista del imperialismo yanqui y del anti-arte.
Warhol
inicialmente fue un promotor de publicidad de artículos para el mercado
capitalista que caracteriza a las <Industrias
Culturales>; antes de entrar al mercado masificado y en serie del
anti-arte, o lo que es lo mismo, de la cosificación
del arte: Warhol fue un ilustrador exitoso de la empresa capitalista del
zapato: <I. Millar>.
Warhol
al referirse al sustento de sus llamadas “obras de arte” dice: “Lo genial es que los Estados Unidos han
iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran
esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Sabes que el Presidente bebe
Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola y piensas que tú también puedes beber
Coca- Cola>
Warhol
agregaba que <el mejor arte es el
lucro>; así el <pop-art>
adquiere dos connotaciones: Es un remedo de arte, es la cosificación del arte,
la negación del arte que la estética burguesa-imperialista elevó a la
estratósfera porque de modo descarado fusionó este supuesto <arte> con el mercado capitalista
de masas promovido por el capital financiero (la Coca-Cola); a la vez se convirtió en el ícono del imperialismo
norteamericano y sus símbolos mercantiles y consumistas: La Coca-Cola, las
latas “Campbell”, Marilyn Monroe, etcétera; el <pop-art> representado por Warhol es la expresión y reflejo vivo
del llamado <Sueño Americano>
de <las oportunidades> que
supuestamente da el imperialismo norteamericano <a la gente común>.
La
vida de Warhol ligada a la alienación, a la irracionalidad, al derroche, al
modo de vida lujoso de los artistas asalariados del gran capital como Elizabeth
Taylor es la mejor muestra del contenido y forma del mal llamado <Arte Abstracto>, <Arte
Contemporáneo> y <Arte Pop>.
El
suculento negocio del arte-mercancía adquiere con el <pop-art> de Warhol niveles de lucro inconmensurables que
muestran la degeneración que es en realidad la cosificación del arte llevada hasta extremos propio de la
dominación norteamericana durante las décadas en que el <pop-art> se fusiona con la política
de expansión y de dominación de los Estados Unidos de Norteamérica.
Con
Warhol y el <pop-art>, el
abstraccionismo y el anti-arte llegan a niveles que muestran la degeneración
del arte y la estética burguesa e imperialista expresada en la repulsa a la
aplicación de las leyes de la asimilación estética de la realidad. La abismal
diferencia entre anti-arte y arte alcanzan el clímax entre abstraccionismo y
realismo, entre abstraccionismo y realismo proletario y popular con el <arte pop> o <pop art>
LAS DEFORMACIONES DEL REALISMO: EL HIPEREALISMO
En tanto el abstraccionismo como <arte>
invade las Galerías y los espacios del mundo capitalista regándose por América
Latina y otros continentes como la mejor expresión del arte mercantilista, no
solo en la pintura y la escultura sino en la música, la literatura en todos sus
géneros y es llevada al cine y la televisión, el TV Cable, etcétera, la
intelectualidad burguesa y la revisionista –que surge tras la derrota del
socialismo en la URSS y en Europa Oriental en 1955-, la socialdemócrata a la
que nos referiremos más adelante.
Estas
tendencias abstractas promueven la falsificación del realismo ya iniciada con
el <surrealismo> y tienen en el llamado <hiperrealismo> una
expresión del arte escapista burgués una connotación que genera confusión.
El
hiperrealismo recupera, aprehende de la realidad paisajes, rostros, figuras,
etcétera, aplicando parte sustancial de las leyes de aprehensión estética de la
realidad pero ocultando la característica clasista de la sociedad
burguesa-imperialista con lo cual distrae y atrae al público hacia un arte,
este si con elementos realistas, pero que a la vez es evasivo, escapista,
alienante de la realidad de la cultura clasista burguesa a la cual se incorpora
fortaleciéndola desde esta orilla artística.
EL
REALISMO SOCIALISTA Y EL REALISMO PROLETARIO Y POPULAR EN LAS ARTES SE UBICAN
JUNTO A LOS TRABAJADORES Y PUEBLOS DEL MUNDO
Durante la Primera Guerra Mundial
se abre una brecha en cuyo escenario se reinicia la reconstrucción del arte y
literatura realistas, proletarias y populares que se extiende por el mundo y se
ubica junto a los trabajadores y pueblos; cuyos artistas y escritores construyen
literatura, pintura, escultura, teatro, danza, música popular insurgente
particularmente en América Latina.
EL
ARTE REALISTA PROLETARIO, POPULAR Y PROGRESISTA
La
Primera Guerra Mundial recogió en un haz, en Europa, al arte abstracto; pero
también, tras la victoria de la Primera Revolución Socialista en el mundo y
como reflejo de ésta, dio impulso a la literatura y las artes realistas
proletarias y populares.
La
influencia de esta grandiosa revolución social proletaria que llevó al Poder a
los de abajo incidió en la formación de movimientos de izquierda ligados a la
lucha de los obreros norteamericanos a uno de los cuales perteneció el escritor
realista Jhon Reed; de esos años es la literatura realista de Jhon Steinbeck y
el cine de Charles Chaplin.
Jhon
Reed viajó a Rusia, presenció la victoria de la Revolución de Octubre y la
plasmó en su obra <Diez Días que
Conmovieron al Mundo> mostrando la otra cara de la moneda: Artistas y
escritores que se insertaron en la realidad política, social y económica de ese
momento histórico quienes produjeron obras artísticas y literarias realistas de
contenido político y social de gran calidad estética como “Las Viñas de la Ira” de Jhon Steinbeck que se imbricaron con la
poesía de Vladimir Mayacowsky y con obras como “la Madre”, “Días de Infancia”, “Mis Universidades”, “Los Artamonov”
y otras de Máximo Gorky que abrieron el camino al realismo socialista como
forma del arte proletario y popular basado en la concepción estética
marxista-leninista que durante ese período que data de 1917 a 1953 se construyó
en la URSS y que produjo obras como: “Así
se Templó el Acero”, de Obstrovsky; “La
Joven Guardia” de Fadeiev y una obra pictórica de rasgos realistas y
populares donde destaca la pintura realista de Ilia Repkin.
Naturalmente
que el proceso de construcción del arte del realismo socialista atravesó
dificultades, por ejemplo, tuvo que depurar al abstraccionista ruso Kamdimsky –quien durante esos años se trasladó a Rusia-
por sus concepciones artísticas abstractas burguesas.
El
realismo socialista se expandió por el mundo de los trabajadores y tomó cuerpo
en una pléyade de artistas y escritores que tomaron partido por la lucha
emancipadora de la clase obrera y los pueblos del mundo
ARTE Y LITERATURA REALISTAS Y POPULARES EN
AMERICA LATINA
La
corriente del arte y la literatura realistas de 1915 hasta 1940 en América
Latina se ubica durante las circunstancias históricas de la Primera Guerra Mundial
y de la Revolución Socialista de Octubre; diversas manifestaciones artísticas y
literarias surgidas en Latinoamérica durante aquellas décadas están
relacionadas con la primera gran revolución social del proletariado que generó
una influencia en el pensamiento y la praxis política y artístico-realista en
América Latina.
El
realismo proletario y popular recogió muestras de las movilizaciones, luchas,
huelgas, tomas de tierras, acciones de la juventud y la mujer contra la
dominación imperialista particularmente norteamericana y contra la explotación
y opresión de las oligarquías criollas en cada país de Indo América y las
transformó en arte y en literaturas proletarias y populares. La construcción de
las obras de arte y literatura de aquel rico período tienen sabor y olor al
follaje, a los terruños americanos, a nuestros ríos y montes; la obra de arte y
literatura construida por la intelectualidad artística se internó en la
profunda realidad de los pueblos y de la lucha de clases recogiendo las
vertientes étnicas y culturales populares indoamericanas; nuestras identidades
indígenas, mestizas, negras, en sus diversas mezclas y variables étnicas;
nuestras artes fueron indoamericanas con olor a la pólvora nacida de la huelga
contra las bananeras gringas, contra la explotación cacaotera y latifundista;
aquí destacan escritores y poetas como César Vallejo, peruano; los poetas
chilenos Pablo de Rokha y Pablo Neruda, éste último con poesías como: Residencia en la Tierra; José Eustasio
Rivera con <La Vorágine>;
Ricardo Güiraldes con <Don Segundo
Sombra>; <Doña Bárbara> de Rómulo Gallegos; <El Señor Presidente> de Miguel Ángel Asturias; <Yo, el Supremo> del paraguayo Augusto
Roa Bastos; <Las Cruces Sobre el
Agua> de Gallegos Lara; <Huasipungo>
de Jorge Icaza; <Cacao> de
Jorge Amado; <Mamita Yunai> de
Luis Fallas, para citar algunas conocidas creaciones literarias realistas,
sociales, populares, construidas por la intelectualidad artística popular y
revolucionaria, una franja de ella, comunista, en América Latina.
De
mano de aquella literatura se fraguó una pintura con los pintores mexicanos
Diego Rivera y Alfaro Siqueiros que se extendió por nuestra América India con
Pinto, Guayasamín, Kingman; a todo ese torrente artístico y literario se sumó y
fue creciendo la canción popular y/o la canción protesta, el teatro popular,
con una acústica y sabor propios.
LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL Y SU REFLEJO EN LAS ARTES PROLETARIAS Y POPULARES
Durante
la Segunda Guerra Mundial la pléyade de artistas y escritores que ya acumulaba
un bagaje del arte realista proletario y popular incubado en el escenario
histórico de la Comuna de París de 1871 y de la Revolución Socialista de
Octubre de 1917 confluye con gran vigor artístico en forma y contenido a
fortalecer la lucha que libra la Unión Soviética como parte del Campo
Antifascista contra el fascismo particularmente el hitleriano.
De aquellos tiempos vienen poemas
como el de Paul Eluard: <escribo tu
nombre en las paredes, libertad>; o el <Canto de Amor a Stalingrado> de Pablo Neruda; <España, aparta de mi este Caliz> de
Cesar Vallejo; los poemas y obras de teatro de Bertold Brecht contra <el pintor de brocha gorda>
(Hitler)>; <Vientos del Pueblo>
y otros poemas de Miguel Hernández; la poesía de Nicolás Guillén; los murales
de David Alfaro Siqueiros, la pintura de Diego Rivera, de México; en Ecuador
destacan Oswaldo Guayasamín, Eduardo Kingman, Alberto Carcelén, solo para citar algunos destacados amén de la
propia obra artística y literaria creada por escritores y artistas de la URSS
como la novela <La carretera
Volokolamsk> de Alexander Beckt; en 1936 se reúnen escritores de la
talla de Nicolás Guillén, Neruda, Thomas Mann, Miguel Hernández, entre otros,
en España, para brindar su apoyo artístico político y moral a la lucha librada
por el Frente Popular contra el fascismo de Franco.
El realismo artístico proletario y
popular en literatura, pintura y artes adopta una clara posición política junto
a los trabajadores y los pueblos oprimidos que refleja una concepción estética
proletaria, colectiva, popular, distinta del llamado <arte abstracto> que fomenta el individualismo, la introspección
y cierra los ojos a la realidad profunda que genera la crisis capitalista que se
ahonda durante las dos últimas guerras mundiales imperialistas.
ODISEO
RUNA
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