LA ESTETICA: PARTE DE LA GNOSEOLOGÍA
La belleza -y
la fealdad- son resultado de la aprehensión estética de la realidad del
universo, de la naturaleza y de las sociedades que los filósofos y estetas
materialistas como Aristóteles le confirieron una categoría dentro del
pensamiento que ha construido la humanidad; aprehensión que conduce a la
creación de las artes.
La belleza ha
sido estudiada por pensadores de diversos períodos históricos. La estética que
la estudia y ha trazado leyes para la construcción de la belleza como la
armonía y las proporciones, el ideal estético, etcétera, constituye, un aporte
a la “cultura del pensamiento”.*
En las
civilizaciones antiguas se confrontaron dos concepciones respecto del origen de
la belleza que sentó bases para el desarrollo del pensamiento estético. Estas abstracciones
se relacionaron con las visiones filosóficas materialistas e idealistas acerca
del origen del universo y de la naturaleza, pero fueron adquiriendo,
posteriormente, sus particularidades, su especificidad, como parte del desarrollo
del pensamiento.
EL PENSAMIENTO MATERIALISTA DE ARISTOTELES ACERCA DE LA BELLEZA
Aristóteles,
el más avanzado de los filósofos materialistas de Grecia, llegó a la conclusión
de que la realidad era la fuente del arte. Observando el universo
abstrajo que éste se movía con un relativo orden, armonía, proporcionalidad. Que
estas categorías eran propias del movimiento del cosmos, de la naturaleza.
A esta
categoría de la realidad fuera del cerebro del hombre que advirtió reflejaba el
movimiento de las estrellas y de la naturaleza la denominó: Belleza. Aristóteles no profundizó respecto de
la causa que provoca los cambios de unas formas en otras del movimiento de la
materia. No captó las leyes del movimiento de la materia que
identifican a todas las formas del movimiento: La dialéctica materialista.
Sin embargo el
hecho de haber aprehendido en las circunstancias del período esclavista la belleza como una cualidad propia de la materialidad
del universo y la naturaleza, de las proporciones inherentes a éste, su genial visión contribuyó a desarrollar la
concepción estética materialista, o realista, opuesta a la idealista de Platón que
sostiene que la belleza es fruto del pensamiento del hombre que forja la belleza y la trasmite a las
cosas.
Dado que
Aristóteles vivió en una sociedad esclavista no pudo advertir el carácter de clase de la belleza
predominante en Grecia: El arquetipo individualista de ésta que se imbrica con
los dioses y su mitología –como Atenea,
diosa de la sabiduría, la guerra, las artes: Una escultura criselefantina de
oro y marfil esculpida por el artista Fidias erigida en el Partenón de Grecia
para exaltarla*--; mitos y ritos que sirvieron para apuntalar el poder de
la sociedad esclavista griega.
LA CONSTRUCCION DE LAS ARTES COMO REFLEJO DE LA REALIDAD EN MOVIMIENTO A TRAVES DE LA
SENSORIALIDAD Y EL CEREBRO DE LOS ARTISTAS
La
difracción de la luz sobre los cuerpos –descubierta
por Newton- genera el espectro de colores. Estos son captados por los
sentidos y el cerebro de los seres humanos con talento para el arte pictórico. La
pintura inicialmente rupestre -como la de las Cuevas de Altamira en España- se
ha desarrollado históricamente de mano de la creatividad prodigada por genios
de la pintura como Miguel Ángel, Da Vinci, Rafael, Rubens, Van Ghog, Rembrant, Picasso, Alfaro
Siqueiros; arte que se aplica a la arquitectura y escultura, a la porcelana, al
grabado, a las artesanías artísticas que manejan la simetría, las proporciones,
los contrastes.
Algo similar
ocurre con la diapasón de los sonidos que en forma infinita se multiplican en
una sucesión de armonías y contrastes de donde el artista con aptitudes y
talento para transformarlas en música las torna en melodías, ritmos, secuencias
acústicas armónicas y/o contrastantes, que, tras milenios de su proceso de construcción
como arte van conformando desde la escala musical básica del do, re, mi, fa, sol, la, si, do, hasta
la combinación infinita de variantes musicales; leyes de la construcción
musical que son estudiadas por la Estética y han generado obras musicales como
la 5ta sinfonía de Beethoven; su
popularizada “Fur Elise”, construida
con cuatro notas; las obras de Chopin, Liszt, Schubert, Paganini, Bach y otros
genios de la música así como las creaciones musicales provenientes de los
pueblos como el jazz, el blue, la guaracha, el mambo, el son, el guaguancó, el
chachachá, el reague, el rock, el pasacalle, el capishca, el pasillo, etcétera.
Lo propio
ocurre históricamente con la danza, subordinada al estadio de desarrollo social
y a las características de cada cultura nacional, de nacionalidades o etnias; y
con la literatura: Isadora Duncan, una artista de la danza quien fue invitada a
enseñar danza a los niños en la URSS durante el proceso de construcción del
socialismo, enseñaba a sus discípulos y discípulas a aprender del movimiento de
los árboles, de sus ramas y sus hojas remecidas por los vientos; de los fluctuantes
y armoniosos movimientos de la naturaleza para danzar rítmica, fluidamente.
La poesía,
el cuento, la narración, la novela, el teatro en sus diversas formas: tragedia,
comedia, tragicomedia; con la fotografía artística y el cine en los tiempos
modernos, muchas de cuyas películas se basan en novelas que han remecido la
conciencia por su contenido y forma requieren de la construcción artística de
la palabra utilizando figuras literarias de manera artística como el
retruécano, la hipérbole, el símil, la metáfora; la construcción de la belleza
por medio de la palabra oral y escrita enriquecen el lenguaje como instrumento
de comunicación fundamental entre los seres humanos a través del arte.
Esto lo
desarrolló de manera singular Bertold Brecht creando un teatro reflexivo que
combina la danza, la música, el verso, la pintura, (al construir los escenarios) las máscaras, los textos de los
diálogos, etcétera: El teatro del <distanciamiento>.
Las artes y
la literatura creadas por los artistas y escritores artísticos reflejan el
proceso de construcción de las sociedades.
LAS ARTES: PARTE SUSTANCIAL DEL DESARROLLO DE LAS SOCIEDADES
Al observar
el salto dado por el hombre durante el estadio de la civilización en el período de la comunidad primitiva y el salto en
el desarrollo social durante el esclavismo en Mesopotamia, Egipto, China,
Japón, Europa, África, reflejado en las artes creadas en cada uno de estos
lugares de la tierra: Los labrados artísticos en los jarrones de metal precioso
y porcelana; las joyas y pinturas trabajadas en oro, platino, piedras
preciosas; las Pirámides en Egipto construidas para los faraones; las Torres en
Mesopotamia construidas con mármol, lapislázuli, alabastro y cedro llamadas
Zigurat; las puertas de los Palacios de Nínive y Khorsabad cuyas hojas eran de
bronce, flanqueadas por estatuas y toros alados con cabeza humana que cumplían
el papel de “protectores”* según sus mitos; la arquitectura griega uno de cuyos
íconos fue el Partenón para adorar a Atenea; la escultura y pintura, la danza y
la literatura expresada en la tragedia, la comedia, el teatro griego; su
literatura mitológica: La Ilíada y La Odisea; la caligrafía china como arte; la
música y la danza, los dragones construidos con telas y linternas colgantes*;
las pagodas y templos, la Gran Muralla China etcétera; y en el período feudal:
Palacios como el de Versalles, las Catedrales Barrocas y Góticas en Europa; la
pintura, la escultura, la ópera, la danza.
Y en el
capitalismo: la Torre Eiffel en París, la Estatua de la Libertad frente a
Manhattan, los rascacielos donde se concentra el capital financiero de Wall
Street y los de otros países imperialistas; los grandes centros de atracción
donde se concentran las artes, el cine, las galerías, los centros de
espectáculos musicales, teatrales, deportivos como el Madison Square Garden,
las esculturas y la pintura, el cine, etcétera.
Naturalmente,
durante el corto período de construcción del socialismo en la URSS, en Europa
Oriental, en Albania, se construyeron en todos los ámbitos del arte obras
extraordinarias a la par que se protegieron las obras de arte creadas por la
humanidad que contribuyeron al desarrollo de la cultura socialista.
Este
magnificente proceso de creaciones artísticas: ¿A qué responde? ¿A qué cánones
y/o leyes se sujetó para lograr tales deslumbrantes armonías, proporciones y
contrastes?
Recogió del
universo, de la naturaleza, de la diversidad de culturas que se han construido -y
se construirán- en el curso de la historia de la humanidad, los elementos artísticos
para transmutándolos, convertirlos en lo que maravilla a la vista, al oído, al
olfato, al tacto, al paladar y provoca estupor, asombro, admiración en el
cerebro humano: Las artes.
Todo lo que
ha levantado el hombre en materia de arte, inobjetablemente está asociado al
desarrollo de la filosofía, de las ciencias naturales y sociales, de la
tecnología -en los tiempos modernos-; artes y ciencias, historia y filosofía
están íntimamente imbricadas unas con otras; no se las puede captar, aprehender
a profundidad, sin relacionar unas con las otras.
La
construcción de la belleza a través de las artes y de la literatura está atravesada
por las leyes de la dialéctica materialista que atraviesan a todas las ciencias
naturales y sociales; pero el estudio de cómo se ha construido la belleza en la
escultura, la pintura, la música, la danza, la poesía, requiere de una ciencia
particular: La Estética, uno de cuyos aspectos centrales es su relación y
diríamos su fusión con las ciencias.
LA ARMONIA, LAS PROPORCIONES, LOS CONTRASTES: LEYES
PARA LA CONSTRUCCIÓN DE LA OBRA DE ARTE Y/O LITERATURA
Los
arquitectos del Renacimiento en la Florencia de los Médicis, para construir las
obras arquitectónicas que han quedado como muestra del talento y la creatividad
del ser humano, del artista, tuvieron que hacer acopio de conocimientos
científicos de ingeniería, de matemáticas, de cálculo de resistencias,
etcétera, para acoplar, al construir la forma arquitectónica de la cúpula de la
Catedral de Florencia, como lo hizo Brunelesqui, de manera que mostrara el
esplendor del pensamiento artístico y contribuyera a afianzar el poder de los
banqueros Médicis; el arte ha estado ligado a las leyes del movimiento; el arte estuvo –y está– ligado a las
matemáticas, a la física, a la ingeniería y al poder político; por tanto, el
arte conlleva dentro de sí elementos de las ciencias y contenidos políticos. Es
por conclusión dialéctica concatenada parte intrínseca del pensamiento
científico y político.
EL
HOMBRE DE VITRUBIO
Da Vinci, un
artista sin parangón en la historia de las artes, dedicó gran parte de su vida
a estudios sobre pintura, arquitectura, mecánica, anatomía, geografía,
botánica, hidráulica, aerodinámica, fundiendo arte con ciencia, dejando atrás,
en estética, al neoplatonismo e imprimiéndole a ésta características del
realismo que para esa época revolucionaron las artes y el pensamiento estético.
A ese tratado
de ciencias y artes de Leonardo Da Vinci se lo conoce como: “Codex Atlánticus”*; elementos que
confirman que la Estética está ligada a las ciencias y que ésta tiene su propia
connotación como ciencia que estudia la construcción de las artes en función
del manejo científico de la belleza, que significa, particularmente en las
artes realistas, imbricar las manifestaciones de la belleza expresada en
colores, sonidos, movimientos, con las ciencias y con la vida social.
Da Vinci, para construir pictóricamente las
diferentes partes del ser humano llevó a cabo estudios de las partes anatómicas
de éste en cadáveres que diseccionó; construyó “El Hombre de Vitrubio” basado
en las apreciaciones científicas del cuerpo humano que realizó el arquitecto
romano Vitrubio de las cuales dimana
una de las leyes fundamentales de la construcción artístico-científica: la
proporcionalidad existente entre los componentes del cuerpo humano: cabeza,
nariz, labios, quijada, hombros, caja torácica, estómago, glúteos, piernas, pantorrillas,
pies del ser humano, del hombre y de la mujer.
EL
NÚMERO ÁUREO Y LA SECUENCIA DE FIBONACCI
Los
arquitectos que construyeron la Pirámide de Keops en el antiguo Egipto
esclavista lo hicieron con arreglo a las proporciones que ésta debía tener –y todas las Pirámides-- que sobradamente
conocían; dicha proporción fue “descubierta” –pues en realidad era conocida ya en
la antigüedad-, por un matemático italiano de apellido Fibonacci y se la conoce
como “la secuencia de Fibonacci”:
Esta proporción matemática existe en el universo, en el movimiento de los
astros y asteroides; en los árboles y en las hojas de los árboles, en las
huellas dactilares; en todas las formas y expresiones del movimiento de la
naturaleza y de las sociedades humanas; desde milenios atrás ha sido utilizada
para la construcción de obras arquitectónicas, de esculturas, pinturas,
grabados, artesanías artísticas: Para la construcción de todas las artes.
Se la conoce
como “el número áureo” o número de
oro: el 1,618 que brota de la proporción
matemática de dividir 5:3; 7:5; 9:7; y así en progresión matemática.
Esta
proporción también se construye a partir de un cuadrado uno de cuyos lados se
lo extiende para formar la base de un rectángulo: A ese rectángulo se lo conoce
como “rectángulo áureo” o “rectángulo
de oro”: Al hacer girar dentro del rectángulo áureo una espiral ésta adquiere
formas simétricas que se las encuentra en un caracol, en una estrella de mar: Es
la espiral de oro, o “espiral áurea”.
Utilizando
la proporcionalidad se construye una pintura, un edificio, un gravado, una
porcelana; toda obra de arte debe tomar
en cuenta, considerar para su construcción artística los cánones de la
proporcionalidad, de la simetría, de la armonía existente en el universo, en la
naturaleza, en la sociedad, en el cuerpo humano del hombre y de la mujer;
proporciones que han sido descubiertas por el pensamiento humano y que se
entrecruzan, con los cambios dialécticos del movimiento de la materia, del
universo, de la naturaleza, de la sociedad.
DOS
VISIONES RESPECTO DE LA HISTORIA DEL ARTE
La historia
del arte, dependiendo con que visión se
la estudie, ubica a las artes dentro de la historia; la apreciación
histórica burguesa de las artes aunque considere los elementos de la armonía,
de las proporciones, ocultará el contenido histórico de clase y pondrá el
énfasis, no en los trabajadores y los pueblos como hacedores de la historia,
sino en las personalidades, promoviendo la concepción de la historia y el
arquetipo estético que de esta concepción se deriva: El individualista.
La
concepción estética popular las estudia relacionando el arte de la construcción
musical, pictórica, literaria, etcétera, con las circunstancias históricas de
clase, imbricando la historia del arte con la estética; así por ejemplo: la Quinta
Sinfonía de Beethoven refleja el ascenso de la revolución burguesa; la música
de Bach refleja el misticismo religioso: Maestro de las fugas virtuosas, del
contrapunto y la melodía, Bach representa al Barroco en la música y refleja el
predominio de la cultura burguesa protestante luterana de la Alemania durante
los siglos 17 y 18*; en literatura la novela “Los Miserables” de Víctor Hugo
refleja la lucha contra el feudalismo y el ascenso de la burguesía como clase;
la novela “La Madre” refleja la lucha del proletariado contra el zarismo y la
burguesía; así, desde la óptica científica y con el aporte sustancial de la
concepción estética proletaria podemos estudiar a profundidad la relación
histórico social con la calidad estética de la obra de arte construida por los
artistas y escritores; con las formas artísticas y la maestría al construirlas
para dar contenido político de clase a la obra de arte.
ARTES,
LITERATURA Y
ESTRUCTURAS SOCIALES OPRESORAS
Parte del
estudio que la Estética realiza se relaciona con las diversas formas de
dominación política e ideológica a la que están imbricadas históricamente las
artes. Tres períodos históricos de las sociedades explotadoras donde se erigen
como culturas dominantes las de los amos, de los reyes feudales y de los omnipotentes
dueños del capital financiero han conducido a la profundización del estudio de
las artes y de las literaturas como medios e instrumentos de la superestructura
de todas aquellas sociedades opresoras: esclavista, feudal y capitalista-imperialista
para consolidar, para remachar sus sistemas de explotación, lo que ha llevado
al estudio del manejo de paradigmas, ideales estético–sociales, arquetipos y
prototipos; todo un sistema de valores, cánones y leyes de la Estética que ha
ido construyendo la humanidad a través de artistas y científicos como reflejo
del desarrollo social.
Eso implica,
desde luego, el estudio de las artes y las literaturas construidas bajo la
influencia de las circunstancias históricas de la lucha de clases que alcanza
un significativo desarrollo con el ascenso impetuoso pero como un chispazo del
proletariado al Poder Popular durante la Comuna de París en 1871 y luego de la
Victoriosa Revolución Socialista de Octubre en 1917 y la construcción del
socialismo: Artes y literaturas realistas, proletarias y populares así como el
desarrollo de la estética marxista- leninista que se extiende por el mundo de los
trabajadores y los pueblos en donde se destaca la labor creativa de los
artistas y escritores que toman posición junto a las clases oprimidas; proceso
que avanza y se desarrolla antes y durante la Segunda Guerra Mundial de 1933 a
1945; se afirma tras la victoria sobre el fascismo y se reafirma con la
formación del campo socialista.
Persiste en
su proyección, desde Albania Socialista a pesar del surgimiento y traición del
revisionismo contemporáneo y del revisionismo maoista chino, al cual combatió con firmeza el PTA liderado por Enver Hoxha; la estética marxista-leninista fue desarrollada a profundidad y con creatividad en el país socialista de las águilas y del héroe nacional Skanderberg y de ésta se desprendió un vigoroso proceso de
construcción de las artes y literaturas proletarias, hasta que, tras la muerte de Enver Hoxha, el socialismo es temporalmente derrotado en la década de los 90s.
El período
que posteriormente data de la ofensiva del postmodernismo es de remache de la
dominación y hegemonía del arte y literatura burguesas así como de la estética
burguesa y revisionista que se diluye en diversas formas a pretexto del <pluralismo> en las artes, en la literatura
y en la estética como lo destaca Alfred Ucy, esteta marxista leninista albanés en algunos artículos necesarios de leerlos y estudiarlos.
Tras la
crisis cíclica que estalla en Estados Unidos y se extiende a Europa los
levantamientos y combates del proletariado, los pueblos y la juventud contra la
política de descargar la crisis sobre las espaldas de los pueblos genera un
ambiente social proclive a la restitución del arte realista, proletario y
popular así como de la estética marxista- leninista que permite abordar estos
fenómenos desde su concepción científica.
Sin incurrir
en el romanticismo de la “Utopía” la perspectiva de un arte y literatura que
recoja como diapasón lo que encierra con una potencia inmensa el levantamiento
de los trabajadores y los pueblos en Europa, en Estados Unidos, en los países
árabes, en la propia América Latina frente a una crisis de sobreproducción y de
toda índole del capitalismo y del imperialismo que se ahonda: La real
perspectiva de profundas revoluciones sociales populares que conduzcan al
puerto del socialismo de donde surgirán como negación de la negación de estos
diversos periplos históricos de dominación y hegemonía del arte, la literatura
y la estética burguesas, un arte nuevo que refleje la vida y combates de los
trabajadores y los pueblos por su emancipación cultural que reafirme como
instrumento teórico del proletariado a la estética marxista- leninista resultado de la revolución social proletaria, de la conquista del poder y la reinstauración del proceso de las revoluciones socialistas en la tierra en la perspectiva científica del comunismo.
UNIDAD
DEL ARTE Y LAS CIENCIAS
Una
constante en el caso de artistas de talento: Unos y otros -como Da Vinci y
Durero— fueron artistas y científicos; artes y ciencias se engarzan unas con
otras. En todos los casos, como el de Brunelesqui en Florencia, el arte no se
puede construir sin el auxilio de las ciencias naturales y sociales--; el arte
construido --en tratándose de una auténtica obra de arte que se convierte en tal al
traspasar edades, períodos históricos, épocas--; lleva dentro de sí
elementos y categorías científicas; he ahí la razón por la cual durante la Toma
del Palacio de Invierno en Octubre de 1917 no se destruyeron las obras de arte
acumuladas en aquella construcción arquitectónica símbolo del Poder zarista y
de la burguesía.
CARÁCTER
CLASISTA DE LAS ARTES
La cuestión
del cómo, durante esas sociedades opresoras, las artes y las literaturas
sirvieron para engalanar, exaltar, elevar a la condición de “superiores” a los
dueños de la riqueza y del poder proclamando que ellos son los “protagonistas”,
los “hacedores” de la historia, es un aspecto sustancial del estudio que ha
llevado a cabo la Estética en su período de desarrollo superior: La Estética Proletaria
que trae como corolario el “cómo” artísticamente, con sujeción a las leyes de
la proporcionalidad, la armonía, los contrastes, se han construido y se
construirán las artes y las literaturas populares.
LA ESTETICA, PARTICULARMENTE LA ESTETICA PROLETARIA
ESTUDIA ESTE ACUMULADO ESPIRITUAL ARTISTICO MATERIALIZADO EN LAS ARTES
Es
fácilmente deducible, tras lo expuesto, que un acumulado histórico tan grande y
de tan alta calificación artística en el terreno de la creación, del desarrollo
histórico de las artes, cruzado por arquetipos y prototipos, paradigmas de la
belleza esclavista, feudal, capitalista y socialista, requiera de un estudio
particular que corresponde realizarlo a la Estética como teoría relacionada con
la belleza y su contrario, la fealdad, durante la historia de la humanidad;
sobre todo y tras del desarrollo del pensamiento científico del marxismo y del
leninismo, esta tarea de estudio de la construcción de la belleza a través de
las artes le corresponde a la Estética marxista- leninista.
DESARROLLO
DEL PENSAMIENTO ESTETICO DURANTE
PERÍODOS FUNDAMENTALES DE LA HISTORIA
El pensamiento estético basado principalmente en el estudio de la
construcción de la obra de arte y/o literatura ha atravesado diversos estadios
en su desarrollo:
1-
El pensamiento estético de la antigüedad
esclavista donde descuella el pensamiento estético griego.
2-
El pensamiento estético
feudal-religioso-católico de Agustín y Tomás de Aquino.
3-
La estética llamada “de la Ilustración” donde
aportan Kant y Hegel, período en que el estudio de la belleza adquiere carta de
presentación al aceptarse (1750- 1758) la denominación de Baumgarten referida a
la connotación de ésta como disciplina dándole el nombre de “Estética”.
4-
Se producen otros aportes a la estética
desde la óptica del llamado “racionalismo” y del “clasicismo” con Boileau,
Shaftesbury y Burke.
5-
La Estética del Renacimiento enriquecida con
escritos de Da Vinci, Alberti, Durero, Montaigne, aportan a la concepción
estética realista y requieren de un estudio profundo debido a que proclaman que
“el mundo real, maldecido por la Iglesia
Católica era la única fuente del conocimiento y de la creación estética”.
6-
Los estetas del Renacimiento hablaban
del “papel de la fantasía en la creación artística como ideal que no se oponía
a la realidad circundante y al papel social del arte”.
7-
La estética rusa pre-marxista de
Chernichevsky, Dobroliubov, Belinsky que abogaba por el papel del campesinado en
su lucha liberadora del yugo que a través de la apropiación de la tierra y de
los instrumentos de labranza ejercían los terratenientes sobre el campesinado
trabajador.
8-
La estética realista, proletaria y popular que
marcha en el ferrocarril de la Comuna de París.
9-
La estética proletaria que se monta al
vuelo del tren de la Revolución Socialista de Octubre de inicios del siglo XX;
de la formación del campo socialista luego de la Segunda Guerra Mundial tras la
derrota del fascismo italiano y hitleriano; y particularmente, tras la victoria
de la revolución en Albania en 1944 bajo la dirección del PTA; y de la construcción de más de 40 años de socialismo donde, reflejando la
construcción económica, política, educativa, cultural de la sociedad del
proletariado dirigida por el partido comunista se impulsó la construcción del
arte y la literatura socialistas, que a la par que recuperó lo progresista de
las artes y la literatura mundial, contribuyó por medio de las artes a
consolidar la vida nueva, bases sobre las que la estética como concepción del
proletariado basada en el arquetipo de que son los pueblos que hacen la
historia se desarrolló multilateralmente.
10-
Tanto la intelectualidad proletaria del
período de construcción del socialismo en la URSS, que aportó al terreno de la
literatura y las artes, del cine, bajo la dirección del Partido Comunista (b)
de la URSS y el liderato de Lenin y Stalin; como la intelectualidad proletaria
que marcho codo a codo bajo la dirección del PTA y el liderato de Enver Hoxha,
le dieron a la Estética la connotación de ciencia particular basada en el reflejo
de la realidad social que expresan las artes, cada una de las cuales aporta al
conocimiento científico y tiene sus propias leyes de construcción artística y
literaria que estudia la Estética; estudio que está atravesado por la filosofía
materialista y dialéctica, por el materialismo histórico y la economía
marxista; por la ciencia y el arte de la guerra popular; estética que se apoya,
para su penetración en el estudio de las artes, en las ciencias naturales y
sociales y en la tecnología.
LA
CREACIÓN ARTISTICA Y LITERARIA
Los artistas
y escritores comunistas, progresistas, demócratas, antiimperialistas tenemos
una concepción estética que parte de:
· La fuente
del arte y la literatura es la realidad social en movimiento, en relación, con
la existencia de las clases sociales, de la lucha de clases, de su proyección
histórica al socialismo y de su relación con la naturaleza circundante.
· El / o la/
artista, o creador (a) debe aprehender
estéticamente a la realidad en una relación artística entre objeto y sujeto
basada en nuestra concepción estética, en nuestro arquetipo de belleza.
·
“Arquetipo: (del griego apxn, arjé, “fuente”, “principio” u “origen”, y
tunoc, tipos, “impresión” o “modelo”; “es el patrón ejemplar del cual otros
objetos, ideas o conceptos se derivan”. **
· El arquetipo
de las sociedades esclavista, feudal y capitalista es el individualismo; se basa en la concepción
anticientífica de que son los amos, los señores feudales y/o los reyes; los
dueños del capital industrial, bancario, del capital financiero quienes “hacen
la historia”; en esta concepción del arquetipo se basa su concepto de la
belleza; con arreglo a esta concepción se han construido las Pirámides de
Egipto para los faraones; el Palacio de Versalles para los Reyes, los
rascacielos como el Empire State para los ejecutivos, para los dueños del
capital.
· Durante
estos períodos históricos los opresores impusieron su arquetipo de belleza a
los pueblos. En el actual sistema capitalista-imperialista la concepción
estética individualista es predominante y hegemónica en el mundo.
· Los
prototipos.- Son las muestras que dan veracidad, que sustancian, que sostienen a
la concepción, al arquetipo de la belleza esclavista, feudal, capitalista o
socialista.
· El Partido
comunista marxista- leninista, construido en base del marxismo- leninismo tiene
su propia concepción estética, su arquetipo de la belleza proletaria que se
fundamenta en el materialismo histórico: Los pueblos hacen la historia del cual
emanan sus prototipos.
· Esto
significa que dentro de la realidad social de la lucha de clases, los artistas
y escritores deben poner de relieve en sus obras de arte a los trabajadores y
los pueblos.
· De entre los
trabajadores y pueblos que combaten; los artistas deben seleccionar los
prototipos, los hombres y mujeres, la juventud que lidera esos combates,
quienes muestren heroicidad, temple, serenidad, coraje para encabezar la lucha
liberadora.
· Debemos
trabajar cincelando, con arreglo a las leyes de la armonía, de la simetría y
del contraste, de la lucha de contrarios, la concatenación, el desarrollo en
espiral, por saltos, la belleza de nuestros héroes y heroínas populares.
· La selección de tramas se fundamenta en la
construcción colectiva, entendiendo ésta como el aporte de la personalidad
robusta de sus miembros al colectivo para hacer de éste un instrumento de
construcción de un arte de calidad, concebido como un colectivo de cuadros, de
creadores de arte y literatura popular; el estudio, la creación individual es
fundamental para el desarrollo del colectivo de los artistas, de los creadores;
sin el aporte individual de todos y cada uno de los miembros del colectivo al
estudio y a la creación artística, éste carecerá de la fuerza revolucionaria
que proyecte la/ o las/ obras
artísticas populares hacia los pueblos.
· La participación
con ideas y sugerencias respecto de una trama; de los prototipos o personajes
–tanto populares como de los enemigos del pueblo-, se la lleva al colectivo de
artistas y/o escritores, el mismo que aporta con sus observaciones y críticas
que enriquecen la obra propuesta.
· Con los
aportes críticos, oportunos y fraternos, alejados de todo prejuicio o egoísmo,
de toda expresión de autoritarismo o personalismo, el colectivo contribuye
eficazmente al proceso de la creación ya iniciado; el/o los/las/ creador@s ponen ahora en juego su capacidad mejorada
sustancialmente con la ayuda de la
crítica y se procede a la creación que pone en juego, a un nivel más alto, la
capacidad individual y colectiva de los cuadros que dedican parte o la
totalidad de su tiempo a la creación artística.
· Finalmente,
tras mostrar las rectificaciones logradas con espíritu autocrítico y con el
adecuado y fraterno uso de la crítica se aprueba colectivamente la obra de arte
musical, teatral, pictórica, poética, dancística, audiovisual o cinematográfica
populares.
· Luego de ser
aprobada viene el paso decisivo: La presentación al público popular,
progresista, juvenil, etcétera. La obra creada se somete al dictamen del
público, de los trabajadores, los pueblos, la juventud, la mujer popular, quienes
juegan un papel decisivo en el juzgamiento de la obra expuesta, presentada.
Tales
son los pasos básicos para la
construcción de la obra de arte y/o literatura popular con los cuales se puede
y debe estimular la creación artística y literaria que contribuya eficazmente a
la educación política revolucionaria de los trabajadores y los pueblos para que
aquellos eleven su decisión de combatir para vencer y derrotar al capitalismo y
a los sucesivos gobiernos que, armados de demagogia pseudo izquierdista e
impulsando obras de relumbrón a nombre de la farsa de la “revolución ciudadana”
y del huero “socialismo del siglo XXI”; invirtiendo en reformas, trabajan para
desviar a los pueblos del camino de su emancipación, de su lucha auténtica por
la revolución social, el Poder Popular y la construcción del socialismo.
LA
LEY DE APREHENSION ESTETICA:
LA
APREHENSION ESTÉTICA ES UNA CUALIDAD DEL SER HUMANO: LOS ARTISTAS TIENEN LA CAPACIDAD PARA TRANSFORMARLA EN ARTE
La capacidad
de aprehender estéticamente los fenómenos de la realidad es una cualidad que
solo la posee el ser humano. Se conoce como “gusto estético”. Esta capacidad de
captar la belleza, es innata en el hombre, pero también para, recogiendo la
belleza que se capta a través de los sentidos, crear, utilizando la fantasía, la capacidad artística consciente
propia de los artistas, elevando la sensación al nivel de conciencia, de
pensamiento artístico, crear arte.
Todos los
seres humanos tenemos capacidad para captar
la belleza, pero no para crear, para construir belleza artística en los
diversos géneros del arte.
Esta
corresponde a los artistas: pintores, músicos, danzadores, poetas, juglares,
prosistas artísticos, cineastas, fotógrafos artísticos, etc., quienes elevan la
aprehensión de la belleza existente en la realidad a nivel de conciencia lo
cual constituye una alta expresión del pensamiento artístico, de la
gnoseología.
Aprender
sensorialmente y construir cerebralmente en base de la aprehensión de las leyes
de la armonía, la simetría, los contrastes, etcétera, la realidad y plasmarla
en obra de arte, distingue al “ojo humano” común” del “ojo penetrante; a la
sensación de la belleza, de la construcción mental, cerebral, consciente de la
misma, proceso que recalcamos lo estudia la estética.
La capacidad
creadora, desde luego, es una cualidad no solo aplicable a los artistas sino a
todas las ramas de las ciencias naturales y sociales; entre ellas a las ciencias
de la revolución proletaria: La política, la organización leninista, la
propaganda, la ciencia militar marxista-leninista, etcétera; de allí que la
actitud creadora debe caracterizar al dirigente revolucionario; la acción
teórico-práctica de los cuadros revolucionarios, en sus diversas
responsabilidades debe ser creadora.
EL TRABAJO POLITICO, IDEOLOGICO Y ESTETICO PARA
FORMAR CUADROS ENTRE LOS ARTISTAS Y ESCRITORES POPULARES
La situación
para los artistas –y escritores artísticos- exige un cincel específico y
preciso: Hay que saber diferenciar la creación artística de la propaganda
directa, que parte de comprender, asimilar y con esas bases guiar a los
artistas populares: A su capacidad de aprehensión de elementos de la belleza –o
la fealdad- en el curso del movimiento social intenso; de la lucha de clases particularmente
de la lucha política en movimiento.
Al artista
con cualidades y aptitudes para construir arte popular hay que darle la
atención específica para que se convierta en un cuadro, en un artista o
escritor consciente, políticamente maduro; en un auténtico creador y difusor
del arte popular, que dentro del colectivo, enriqueciendo su acción artística y
política, aporte a éste colectivo con ímpetu creador y personalidad propia,
guiado por la concepción de que construyendo bajo los preceptos de nuestro ideal
estético proletario y de nuestro arquetipo de la belleza: la clase obrera, los
pueblos hacen la historia, se inserte en los combates liberadores e investigue
en vivo, durante su participación en aquellos combates, para que capte, aprehenda los elementos interiores y
exteriores que le imprimen a la lucha revolucionaria las características para
obtener la victoria: El puño alzado, el ojo despierto del combatiente que evade
las bombas lacrimógenas; la señal para retirarse y agruparse durante los
combates callejeros, el vigor y la energía que estalla en las pupilas, la
sonrisa altiva del combatiente que siente como vibran sus venas, responden con
energía sus muslos y pantorrillas, sus pechos y pulmones.
Debe también
investigar la conciencia, la personalidad, la vida y acciones retrógradas de
los enemigos del pueblo para denostarlos.
Asimilando
como draga esas vivencias el artista popular auténtico las convertirá en arte;
el joven artista se transformará en un artista caracterizado por sus
convicciones estéticas proletarias y populares, por su capacidad innata desarrollada
con ayuda del partido para crear durante su vital participación en la lucha
revolucionaria.
No se
requiere dejar de ser artista popular para ser combatiente revolucionario:
Miguel Hernández militó en el ejército del Frente Popular en España y como él encontramos
muchos ejemplos: Participando en la vida y lucha liberadora de los pueblos se
forja el arte popular, emancipador y multicultural como un instrumento de combate
vigoroso donde los artistas junto a sus camaradas del Frente del Arte Popular
encuentren realizados sus anhelos, sus sueños, los empeños de sus robustas
personalidades; a través de cuyas artes sientan que su trabajo creador incide
entre los trabajadores, los educa, los moviliza, los estimula a lanzarse a la
acción revolucionaria.
Tal es el
ejemplo de “Los Noviembres” que, liderado por el talento, la creatividad y el
desarrollo multilateral de Rafael Larrea en cuanto a su formación en la teoría
general del marxismo- leninismo, de la propaganda y la agitación; al desarrollo
de su cultura general y a sus conocimiento de arte, literatura y estética a la
cual aportó con muchos escritos; a su cualidad natural de poeta y artista del
proletariado lideró a los integrantes
del “Centro de Arte Nacional” y de la UNAP quienes, con este liderato expresado
en sus aportes a la creación artística y literaria condujo la creación de un
sinnúmero de canciones de corte popular y revolucionario, estimulando el aporte
de otros artistas populares como Juan Ruales, Salomón Poveda, Agustín Ramón,
entre los más destacados; igualmente en el Taller “Gallegos Lara” de
escritores, se desarrolló el espíritu colectivo con el talento de Rafael
Larrea, Alfonso Chávez, Alfonso Murriagui y otros poetas y escritores como Iván
Oñate. Lo propio se desenvolvió en el Taller “La Huella” donde se forjó y
convirtió en el emblemático pintor popular y del proletariado Alberto Carcelén.
DIFERENCIAS COLECTIVAS E INDIVIDUALES EN LA
CAPACIDAD DE APREHENSION ESTETICA QUE SE CARACTERIZA POR LOS DIFERENTES NIVELES
DEL GUSTO ESTETICO
No todos los
seres humanos tenemos la misma capacidad para aprehender la belleza: Depende de
las cualidades, de la inteligencia, de los conocimientos adquiridos, de las
aptitudes, de la asimilación de cultura general, cultura política y teórica;
depende también de las circunstancias a que son sometidos la mayoría de los
trabajadores y los pueblos: la pobreza, el desempleo, el hambre, en fin, las
calamidades a que somete el capitalismo al concentrar la riqueza en pocas manos
que genera la miseria de las grandes mayorías que realizan su trabajo en las
fábricas y en el campo, pero sobre todo su vigor y energías desarrolladas en la
lucha contra los efectos de la crisis (la pobreza, el desempleo) y, sobre todo el
combate contra sus causantes.
La capacidad
de aprehensión estética depende de la sociedad en que históricamente se viva;
de la clase social a la que pertenezca el hombre –o la mujer--; depende de las
características culturales de cada sociedad en que haya nacido y vivido el ser
humano: en China, Japón, África, Europa, América; de las diferentes culturas de
nacionalidades, de etnias y regionales que existen en cada país; o de los
fenómenos migratorios derivados de las sociedades de explotación y opresión de
los seres humanos de distintas culturas, así como depende de las cualidades
propias de cada ser humano, de su cultura general, de su inteligencia y
talento, de su ímpetu creador o de la falta de aquellos valores propios del ser
humano que las sociedades de opresión destruyen.
APREHENDER ESTETICAMENTE LA REALIDAD BUSCANDO Y
ENCONTRANDO TRAMAS Y PROTOTIPOS DE LA BELLEZA POPULAR Y COMBATIENTE
La belleza
es una expresión del movimiento de la realidad de la naturaleza y las
sociedades construidas por los seres humanos. Al captar la belleza el hombre a
través de los sentidos la disfruta; al captar la belleza –o la fealdad el
artista la transforma en arte para embellecer a la clase social que representa,
exaltándola a través de la construcción artística de sus prototipos que están
en la historia, que se desenvuelven en la realidad social y política ante
nuestros ojos.
ODISEO
RUNA
Trabajos
sobre Estética desarrollados en la URSS y publicados por la Editorial Iskutssvo;
se recoge aquellos elementos de la Estética construidos antes de que el
revisionismo usurpara el poder en ese país socialista.
· “Los
Cinco Sentidos de la Poesía”- Rafael Larrea- Escritos Políticos.
· Wikipedia:
Anotaciones acerca de Da Vinci; del Partenón y Atenea; de las culturas en
Mesopotamia, China, Grecia, de los Mayas, etcétera.
· Escritos
de Alfred Ucy, ex Ministro de Cultura de la República Popular Socialista de
Albania, antes de que el socialismo fuese derrotado en la tierra de
Skanderberg.
· Artículo:
La Estética, expresión del pensamiento forjado durante la historia de la
humanidad – Revista Política número 24; página 133, Odiseo Runa.
· “Nación,
Pueblos, Nacionalidades” - Pablo Miranda
· La
Cultura del Pensamiento- A. JASIMZHANOV
y A. ZH. KELBUGANOV
· Escritos
de Aristóteles y Platón – Wikipedia
ODISEO RUNA
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